2015
Concert
Tuesday, December 15th, 7:30 pm
Stefan Fraunberger: Hackbrett / Elektronik / Relationen
Wavering Worlds provides a platform for local and international artists/musicians, who oscillate between various musical and artistic genres. Within the framework of Wavering Worlds, multiple forms of multi-media performances and concerts are presented.
Stefan Fraunberger is an earth / vienna based sound-performer, sonic-linguist and author of different content focusing on transformation indwelling the drama of states as movement, silence and possibility. Genuine interest in sculpting the body of air, the composition of tongues, abstract architecture, electricity, strings and the asymmetric laws of presence and perception.
Fraunberger studied experimental electronic music, philosophy, different languages and islamic sciences, did electronic and acoustic performances in clubs and churches, circles around the fluctuating cultural veil as well as he enjoys touring with the band shrack!. Lecturing, translating and writing on liminality, sonic-hermeneutics and relational entities as language, culture, intervals and the other. (Lived and worked in Vienna, Transylvania, London, Verwang, Tehran, Sana’a, Benares and Allepo)
Links
http://stefan.fraunberger.at/
https://soundcloud.com/
From an enquiry into the relation of the fabrication of sounds and their reception, considering smooth and cold, or conversely, complex and swarming sounds, a relation between the production of a sound and what you hear is staged. a reconstructed scenario amongst other possible ones.
Complex and simple sounds are generated in such a way that the distinction is not always clear. The work is presented together with a visual installation whose form echoes various processes of sound production using a computer.
Phill Niblock is an intermedia artist using music, film, photography,
video and computers. He makes thick, loud drones of music, filled with
microtones of instrumental timbres which generate many other tones in
the performance space. Simultaneously, he presents films/videos which
look at the movement of people working, or computer driven black and
white abstract images floating through time. He was born in Indiana in
1933. Since the mid-60’s he has been making music and intermedia
performances which have been shown at numerous venues around the world
among which: The Museum of Modern Art; The Wadsworth Atheneum; the
Kitchen; the Paris Autumn Festival; Palais des Beaux Arts, Brussels;
Institute of Contemporary Art, London; Akademie der Kunste, Berlin; ZKM;
Carpenter Center for the Visual Arts at Harvard; World Music Institute
at Merkin Hall NYC.
Since 1985, he has been the director of the Experimental Intermedia Foundation in New York (http://www.experimentalintermedia.org)
where he has been an artist/member since 1968. He is the producer of
Music and Intermedia presentations at EI since 1973 (about 1000
performances) and the curator of EI’s XI Records label. In 1993 he was
part of the formation of an Experimental Intermedia organization in
Gent, Belgium EI v.z.w. Gent which supports an artist-in-residence
house and installations there. Phill Niblock’s music is available on
the XI, Moikai, Mode and Touch labels. A DVD of films and music is
available on the Extreme label.
www.phillniblock.com/
https://en.wikipedia.org/wiki/Phill_Niblock
Everything originates from the object and returns back there like everything eminates from the seduction and not from desire. (Jean Baudrillard, Fatal Strategies, p 138)
The Installation “Three points where two lines meet” by Marita Bullmann describes a reality that no longer seems to be real. It refers to the real as a detail that has always been part of a staged scenario which is aligned towards our visual and haptical seduction in a purposive world.
The material, the function and the association jointly generate strange duplication, differences and shifts which are located around the simplicity of an object as an interpretation surface. On the basis of the subtle and sometimes humorous gamble with the objects in the (image) space the installation develops a world of sensual and physical enchantment.
The result is a dialogue between subject and object, which alternates between the possible forms of real and artificial, literally and symbolically, original and imitation.
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„Alles geht vom Objekt aus und kehrt dort hin zurück, so wie alles von der Verführung ausgeht und nicht vom Begehren.“ (Jean Baudrillard, Die fatalen Strategien, S. 138)
Die Installation Three points where two lines meet von Marita Bullmann beschreibt eine Realität, die sie selber nicht mehr zu sein scheint. Sie bezeichnet das Reale als schon immer da gewesener Teil eines inszenierten Szenarios, das auf unsere visuelle und haptische Verführung in einer zweckrationalen Welt ausgerichtet ist.
Das auftretende Wechselspiel von Objekt, Material, Funktion und Assoziation erzeugt somit befremdliche Verdoppelungen, Differenzen und Verschiebungen, die sich um das simple Objekt als Interpretationsfläche lagert. Aufgrund des absichtlichen und raffinierten oder gar ironischen Spiels mit den Objekten im (Bild)-Raum erfährt die Welt eine sinnliche und körperliche Verzauberung. Es entsteht ein Dialog zwischen Subjekt und Objekt, der zwischen den Möglichkeitsformen von real und künstlich, wörtlich und symbolisch, original und imitiert changiert.
http://maritabullmann.de/
Michael Heindl doesn‘t have a preferred material or medium. The
starting point for his artistic work is the fundamental question, „How
can the things that surround him be handled and how can these things be
interpreted?“ This examination is intended to find ways for him to cope
with his environment.
Since urban areas are especially present in
his life, his works often develop in response to urban regulatory
principles. He makes the assumption that a topic will arise at the same
speed at which he is capable of moving through a certain space.
Therefore he is primarily interested in developing procedures that allow
him to explore and expand the potential for action within, and the
perception of, urban realities.
http://www.michaelheindl.net/
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Für Michael Heindl gibt es kein Material oder Medium das er grundsätzlich bevorzugen würde. Ausgangspunkt seiner künstlerischen Arbeit ist die fundamentale Frage danach, wie mit den Dingen die ihn umgeben, umgegangen werden kann und wie diese zu verstehen sind. Im Wesentlichen bedeutet diese Auseinandersetzung für ihn Wege zu finden, um mit seiner alltäglichen Umwelt zurecht zu kommen. Da sich sein derzeitiges Leben vor allem in urbanen Räumen abspielt, entwickeln sich seine Arbeiten häufig als Reaktion auf städtische Ordnungsgrundsätze. Er geht davon aus, dass ein Thema hier in derselben Geschwindigkeit entstehen kann in der er fähig ist, sich durch den Raum fort zu bewegen. Heindl interessiert sich dabei vor allem für das Erarbeiten von Vorgehensweisen, die ihm ermöglichen, das Handlungs- und Wahrnehmungspotential urbaner Lebenswirklichkeiten auszuloten und zu erweitern.
http://www.michaelheindl.net/
Jens Höffken produziert Essayfilme und Textobjekte. Seine Arbeiten werfen ein poetisches Licht auf literarische und historische Themen. Frühstück in Zeiten der Dekadenz zeigt einige dieser Dokumente: Konkrete Poesie, anekdotische Gegenstände und filmische Lyrik.
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Jens Höffken produces essay films and text objects.His work sheds poetic light on literary and historical themes. Frühstück in Zeiten der Dekadenz shows some of these documents: Concrete poetry, anecdotal objects and cinematic poetry.
Concert
Tuesday, April 7th, 7:30 pm
Wavering Worlds provides a platform for local and international artists/musicians, who oscillate between various musical and artistic genres. Within the framework of Wavering Worlds, multiple forms of multi-media performances and concerts are presented.
This trio’s music is characterized by a calm, restrained attitude. Nothing has to be proved and nothing is stressed as being more interesting than it already is. Precise listening and the exploration of sound through quietness are the guiding principles of each thought and action.
Klaus Filip – Laptop
Radu Malfatti – Bass Harmonica
Derek Shirley – Bass
http://klingt.org/filipino/cv.html
http://radumalfatti.eu
http://soundimplant.com/derekshirley/
The series provides a platform for local and international artists/musicians, who oscillate between various musical and artistic genres. Within the framework of „Wavering Worlds“, multiple forms of multi-media performances and concerts are presented.
Manuel Knapp
Visual artist, experimental and noise composer from Austria. Active since the 90ties floating on and between different medias without compromises. Touring actively as noise musician and collaborating with for example: Zbigniew Karkowski, Christian F. Schiller, Robert Lisek, Astro, Hiroshi Hasegawa, Keiko Higuchi, Tim Blechmann, Tabata Mitsuru, Government Alpha, Kelly Churko, Cal Lyall, Reiko A. etc. Manuel Knapp studied painting at the academy of fine arts in Vienna, and computermusic and electroacoustic medias at the university of music and performing arts in Vienna. Numerous exhibitions, concerts, screenings internationally.
http://vimeo.com/46022666
http://knapp.klingt.org/
Jerobeam Fenderson and Hansi3D Jerobeam Fenderson and Hansi3D demo their amazing Oscilloscope-Music experiments, blurring the boundaries between music and visuals. Either can be used to generate and affect the other, composing audio and video into an inseparable whole. The inherent interplay between the two domains opens new possibilities for experimentation. In line with the Demoscene they will present a series of short samples.
www.jerobeamfenderson.net
https://www.youtube.com/user/hansiraber/
http://rgzxyb.tumblr.com
Exhibition Opening
January 13th, 7.30 pm
Opening Hours
14th – 20th of January, 3 – 6 pm
Sa/Su closed
Question of superficial affection (extended) has developed from a similarly titled video piece of Moravec’s from 2012. The work focuses on the physical change of a material exposed to the effects of implosion. An object collapses inwards without visible cause and thus we witness the “natural” transformation of inanimate matter. A prefabricated metal container changes from a cubic shape into something both more organic and expressive. This natural phenomenon could be perceived as “associative physics” and accentuates questions of ostensible stability, repetitive failure, and progressive change over time.
Tomáš Moravec (*1985 in Prague, Czech Republic) gained his Master in Arts (MgA.) at the Intermedia Department of the Academy of Fine Arts in Prague, Czech Republic, 2012. His works can be described as „spatial situations“, mostly realized by means of object, video and installation. Interventional gestures, altered dispositions of surroundings, deflecting the viewers perspective, temporary objects and subtle installations mark the most significant points of his output. The production of „change“, perceived both as a natural quality and as a striving need, conceptually underlies his previous work.
www.tomasmoravec.cz
2014
- 16.12.2014 19:30
The ‚Interface Culture Musikkapelle‘ is an unusual electronic music ensemble where each performer has to build an unique and novel musical interface for musical expression. Without the need of a conductor, smaller groups of musicians propose musical improvisations involving any kind of musical aesthetic.
I. „Praising prosthesis“
Mihaela Kavdansa, Carina Lindmeier, Moritz Morast, Federico Tasso, Jens Vetter
„The human being have become a god of prosthesis, very powerful, when he puts on all his prosthetic limbs. But still in a struggle with their use, because they are not part of his body.“ Sigmund Freud
The skin, the sword, the hula hoop, the clapping, the stomping, the voice take part in the ritual. The BODYGROUP keeps alive musical instruments with their movements.
II. “Retroments”
Yen Tzu Chang, Arno Deutschbauer, I-Chih Fang, Oliver Lehner, Marta Pérez Campos, Florian Reiche
Retroments is understanding ‚retro‘ as the digital re-building of vintage objects and old instruments. The involved interfaces, used in a traditional way, also can control and play an arrangement of sound structures and melodies created within their altered digital nature.
III. “Scan-In / Ob-ject”
Carlos Ortí, Nathan Guo, Warren Perkovic
Scanning means detecting. It is a discovery happening at the very surface interface of some objects involved. A concert’s audience scan is the principle of our improvisation, so they will be responsible of the time structure of the piece.
IV. “Arthropoda”
Viktor Delev, David Gann, Jürgen Ropp, Deniz Saglam,
An improvisation inspired by the arthropod world. Real insect larvae are used to create organic drones, accompanied by instruments resembling insects and their exoskeletons.
Organized/Curated by Enrique Tomás
With the support of Interface Cultures and Kunstuniversität Linz
Silicon, salt, crystals and volts are the primary elements of this ‚initiatic‘ journey into the paranormal, where geologies manifest as occult waveforms from the earth. Cryptic crystals from the Salzburgian salt-mines were collected in the misty mountains and are displayed on unique plinths synthesising and amplifying their ‚immemorial din from below‘. Waveforms of the Earth explores the emergence of Nature cultures, presenting a macrocosm wherein crystalline matter manifests, oscillates, de-phases, transduces, and modulates itself as the reverberations of a hypnotic state of flux; an etheric mattering of waveforms: 12-bit geodes.
www.gauthiier.info
www.jacobsikkerremin.com
www.vsionhairies.info
CONSENSUS explores the idea of sonic unity.
When identical objects or people sound together they reinforce and compromise each other, amplifying similarity while emphasising difference. Two performers attempting to copy each other spark a negative feedback loop. As a blindfolded amateur choir sings the same note together for one hour the pitch bends, swoops and disintegrates. Without a clear reference point the differences between bodies – their proximity, communicative precision and physical limits – become apparent.
Australian artist Julian Day has spent the past five years investigating this concept through a body of installations and performances. His ongoing collaborative sound project Super Critical Mass, for instance, brings together temporary communities of participants who disperse identical sounds (50 bells, 80 voices, 100 flutes) within parks, galleries, laneways and malls, following simple memorized instructions that articulate the sonic, social and spatial aspects of each situation.
Similarly, his installation Lovers features pairs of identical synthesizers pinned apart between wall and ceiling by long metal rods. The rods trigger identical notes on each instrument that sound perpetually throughout the space, creating complex energy fields that agitate territory. As with La Monte Young and Marian Zazeela’s Dream House, the perpetual sameness (a sonic ‘ganzfeld’ of unchanging information) leads to a dynamic yet ambient neutrality in which the listener is simultaneously activated (their body immersed in energy) and decentred (lacking depth of field).
His work with fellow artist Luke Jaaniste, Turning The Tables On, involves multiple turntables playing copies of the same record: Hooked On Classics, Tubular Bells, Oxygene, Chariots Of Fire. The styli are compromised by foreign objects such as coins placed on the vinyl so that the records stagger across time, creating a disorienting maze of self-similar information.
CONSENSUS presents new work within this arc, comprising sculpture, video and performance. It is the result of a current two-week residency at bb15.
www.supercriticalmass.com
www.aninfinityroom.com
www.julianday.com
The series provides a platform for local and international artists/musicians, who oscillate between various musical and artistic genres. Within the framework of „Wavering Worlds“, multiple forms of multi-media performances and concerts are presented.
Cameron Deas
Cameron Deas is an experimental musician based in London. Currently working with electronics, he uses an integrated array of synthesis techniques that are triggered by, and in turn manipulate, external acoustic sound sources, in and out of conjunction with pure electronic sounds. Working in an entirely live environment, Deas creates a kind of real-time musique concrete, resulting in an abstract yet organic contemporary electronic music. Also known for his work as a guitarist, Deas’s debut LP for this project, String Studies, is a suite that focuses on using the 12 string acoustic guitar as the sole sound source of this live musique concrete: a wooden frame to an electronic music. String Studies will be released this July on Alter.
“…the notes of his 12 string acoustic are raw material for violent sculpture, torn apart and flung about separately by the manipulations of his modular synth, bouncing around the space in a hyper-kinetic match of sound squash.” The Wire, April 2014
Andreas Kurz
Wheras beats took the centre
stage in the past works of Linz resident Andreas Kurz, his current stuff
is affected by a more abstract mood and field recordings. Arrangements
of small, delicate gestures merge to form larger reverberating
atmospheres that open out into a rewarding and intense listening
experience.
Philipp Zappel
The vehement Tondenker Philipp Zappel creates fog-shrouded soundscapes via analog sound synthesis.
Links
https://soundcloud.com/camdeas
http://andreaskurz.net/
Screening
Tuesday, May 27th, 7:30 pm
As an aside from making sculpture, Sam Bunn has been scripting an inversion of the first Terminator movie: a pessimistic near future sci-fi about a hapless fool who accidentally brings about the end of the world as we know it; which ends up being a good thing. The film is based in Linz and is titled ‘Grussgott’. The hero of the piece thinks this means ‘Great God’ and has named his all seeing, morally minded, body envying supercomputer accordingly.
Not sure what to do with a film script – certainly not finish writing it – this time at bb15 will be used to explore some of the features of the script and some of the surrounding trappings of writing a story, such as writing about what you know, discussing things you’re afraid of and wish could/should happen, various themes from the movie and dressing up. All hopefully without resorting to doing any acting.
Taking the form of a series of casual conversations mediated through film, or an exercise in film making with austere limits, people the artist knows are invited to drop in during the week of filming and present their mobile phone as a medium on which a piece of the film will be ‘written’. These individual works will be made direct onto the invited guests mobile phone, while they wait. At the screening, all the pieces of film made around the script will arrive in the pockets of all the participants.
Exhibition Opening
Wednesday April 16th, 7:30 pm
Through the ideas and works of composers such as Johann Sebastian Bach, ‚equal temperament‘ became the root of a culture that remained almost unchanged for the last 400 years. This specific tuning was closely connected to the development of the church organ. Diametrically opposed to the church organ, the development of the portable electronic organ during the 1980s marked a similarly significant point of progress in music production. Although their sound is functionally subordinate to the technical conditions of their time, these keyboards also represent a specific era of musical expression. Manufacturers such as Casio, Yamaha and Bontempi have become an indispensable piece of the collective memory of music culture.
Ivo Francx and Bartholomäus Traubeck combine these centuries apart developments in a new piece, which manifests itself as an installation that oscillates between Drone and Fugue.
No Patent Pending # 6
Friday, March 28th, 7:30 pm
iiiinsight
Wednesday, April 2nd, 7:30 pm
Instrument Inventors Initiative explores the relations between sound, image, space and the body, through self-made performative media. During a one week residency, the Dutch artist collective developed new projects related to the theme of non database technologies, embodied knowledge and returning to the senses. ‚No Patent Pending‘ featured a program of performances that combined intimate body interfaces, optical-sound performances, murmuring sounds from liquid projections and forays into the acoustics of the city.
www.iiinitiative.org
Gloria Zein tells stories. She makes sculptures to activate a space or to give life to the history of a site. Phobophobia Phobiae was developed during a residency at studio house ‚Salzamt‘ in Linz. From Zein’s idea to recreate the studio ceiling’s historic plaster relief in clay sprang extensive experiments at the Art Academy’s ceramic workshop and a fantastical fiction. The story unfolds anxieties emanating from three epic sites in Linz: Its Catholic basilica, the Nazis’ tunnel system and the Salzamt itself. The final project consists of three text-prints, a steel sculpture with unglazed ceramics and six collages. Together, they form a narrative that exists independently from the site of its creation.
2013
Exhibition Opening
Tuesday, November 19th, 7:30 pm
Opening Hours
November 20th – 26th, 3-6 pm
Sa/Su, closed
In this work Francesco Fonassi creates opportunities to test out the dynamics of sound reception and the mechanisms of aural perception. Fonassi has chosen the universe of sound for its lucidly suicidal nature, the sense of loss and removal embedded in its very essence and its intrusive propagation, clarity and incorrigibility. The phenomena of echo, resonance, reverberation and filtering each resemble and activate relational issues, dynamics of resistance and reciprocal neutralisation.
http://www.francescofonassi.com/
curated by: Clemens Mairhofer, Lucas Norer, Sebastian Six
- 01.11.2013 10:00 - 03.11.2013
Hurray! The long awaited bb15 “robotics” workshop is going into it’s next round. During three days we will use a variety of materials and components to build robots whose ultimate goal is to completely destruct themselves.
You will use electronic parts, existing machines and whatever else you can find to build your very own suicidal robot. No prerequisites, if you can handle a hot glue gun you are invited to participate.
The suicidal machines are ready and will be presented in the bb15. This is your only chance to see them perform their duty!
- ekw14,90 (AT/CH), Karin Fisslthaler (AT), Iva Supić Janković (HR/NL), Andreas Kurz (DE/AT), Daniel Ladnar/random people (DE), Lucas Norer (AT), Renato Osoy (GT), Doris Prlić (AT), H.K. Rannversson (IS), Isfrid Angard Siljehaug (NO/NL)
- 01.10.2013 19:00 - 08.10.2013 18:00
Vernissage
Tuesday, 1st October, 7 p.m.
Exhibition
2nd – 8th October, 4 – 6 p.m.
Sa, Su closed
Finding a New Order is a curatorial and artistic project, initiated by Doris Prlić and Marlies Stöger. Different artists and writers were asked to reflect on existing structures or to search for new ones. Thirteen artists followed this invitation and produced artworks or texts. This project is an attempt to find a new order for displaying art and breaking up the rules of the art system. In keeping with this goal, the succession in which the different media appeared was reversed: first the publication, afterwards the website, and last the exhibition.
http://www.feedbackanddisaster.net/FNO/
Eröffnung der Ausstellung
Dienstag, 25. Juni, 19:30
Öffnungszeiten
26. Juni – 1. Juli, 15:00 – 18:00
Sa/So. geschlossen
Das Vorbild spielt eine wesentliche Rolle in den gezeigten Arbeiten von Martin Bischof und Jonas Geise. Während auf der einen Seite die Objekte als raumbildende Vorlagen für Gemaltes dienen (Bischof), werden auf der anderen Seite die ersten (un)kontrollierten Schichten eines Bildes als das Scheitern vorwegnehmende „Vorbild“ bezeichnet (Geise). Gleichzeitig wird der eigentliche Charakterzug eines Vorbildes im gebräuchlichen Sinne im Auge behalten: Mit gutem Beispiel voranzugehen.
Exhibition Opening
Tuesday, June 4th, 7:30 pm
Opening hours
June 5th-11th, 3pm – 6pm
Sa/Su closed
Drum kits positioned in space and the individual components are interwoven into a branched object. The hierarchy of acoustic elements is rearranged and resonates both mechanically and through sound stimulator’s.
At the opening Kollektiv Rauschen plays on and with the object.
Link
http://www.kollektivrauschen.org/
bb15 proudly presents: Standuino Orchestra
Thursday, May 16th, 22:00
Standuino Orchestra open-invitation-improvised-music-group that consist basically of everyone who has his Standuino instrument. Any member of the orchestra can organize event and invite othe members to play. The repertoire of the orchestra consists mainly of compositions by Czech composer Karel Bastl (1873-1918). The main conductor Ondřej Merta with his assistant Václav Peloušek went to archives to search for innovative ways of playing improvised music from the edge of 19th and 20th century. They try to deliver authentic experience of such music for the audience. At present moment fresh contemporary composers are composing pieces for the orchestra ( Hans W. Koch, Lucie Vítková, Standa Filip and others ).
Eröffnung der Ausstellung
Dienstag, 7. Mai, 19:30
Öffnungszeiten
8. Mai – 14. Mai, 15:00 – 18:00
Sa/So. geschlossen
The collective Gruppe Uno Wien is a constantly expanding artist group
that has formed around the premises of AfG (Archiv für Gegenwart), an
independent art space in Vienna. Since 2011 they have been working
together and against each other, creating opposing movements that unite
again.
Consistently the existing producer-recipient-dichotomy is
ruptured and the apparent opposites, criticism and humour are merged.
Their works are drifting around and moving forward at the same time.
Meta becomes total.
Special guests: Michael Fischer und Mathias Garnitschnig
Opening
Tuesday, March 19th, 2013, 7:30 pm
Opening hours
20th – 25th of March, 3:00 – 6:00 pm
One must search for the focus of Roman Štětina’s most recent works in the space between sound and image. It is precisely in this space that he demonstrates the discontinuity of supposedly interconnected perceptions. Not only does Roman Štětina let us consider how sound is implied by images, but at the same time he makes us uncertain about the perceptual stability of our world.
Text by Karel Císař
Links
http://www.romanstetina.com/
https://vimeo.com
Thanks to Atelierhaus Salzamt for the support.
2012
- Sam Bunn, Carola Dertnig, ekw14,90, FAXEN, Invernomuto, Tomáš Moravec, Alexandra Navratil, Roman Štětina, Jakub Vrba
- 13.11.2012 19:30
Exhibition opening
Tuesday, 13th of November, 19:30
Opening hours
14th – 23rd of November, 15:00 – 18:00
Sa/Su closed
An exhibition in two parts.
bb15 – space for contemporary art, was invited to participate in the art fair at the State Gallery of Upper Austria, 2012. The artist group FAXEN presented the work, Use Your Illusion, which consisted of a commercially available hardware store shelf containing the neon lettering, ‚Use Your Illusion‘. The installation refuses to take part in the common practice of an art fair, and instead acts as a placeholder for a group exhibition at the bb15 premises. A contribution, as a subversive denial, interpretable as a comment or statement about the situation on site and the staging of art. In the subsequent exhibition at bb15, the previously used hardware store shelf acts as a recurring element to form the exhibition architecture. Based on these elements, the surrounding space is opened up by video projections and screens. Through the simultaneity and juxtaposition of the contexts and processes, individual action levels are coordinated as overall aesthetic arrangements in space. Because of the convergence of projection, installation and exhibition, the newly created dispositive goes beyond the individual media and content.
The focus of the exhibition is current video works operating at the interface between artistic realities and chimaeras in art. The works shown are addressing these topics and can be subsumed under the concept of illusion. Illusions in the artistic discourse emerge, especially in relation to issues of aesthetics, presentation and staging. They confront us with the discrepancy between the perception and representation of reality. Illusions are difficult to describe or analyse, and although we are aware that every experience must be an illusion, the question arises: Can we see ourselves in the process of succumbing to an illusion? The exhibition format Use Your Illusion provides an opportunity to review this question.
Links
Sam Bunn
Carola Dertnig
ekw14,90
FAXEN
Invernomuto
Tomáš Moravec
Alexandra Navratil
Roman Štětina
Jakub Vrba
Exhibition opening
Tuesday, 5th of june, 19:00
Opening hours
06th – 9th of June, 16:00 – 18:00
Looking for a way to strip down his practice to a simple focal point Sam Bunn stumbled upon a bouncy ball and thought that he had found the answer. Sculptural Investigation Using Bouncy Balls is an ongoing project by Sam Bunn, investigating space using bouncy balls and bouncy balls using space. This work explores containment in open and closed systems and includes several interconnected forays into interaction, all revolving around bouncy balls. These interactions often involve putting the viewer into that strange, skew-kneed position one adopts when unsure which way to move – t he bouncy ball being caught up in a complicated spin and moving too erratically to catch easily.
For the exhibition at bb15, Bunn used the bouncy ball format to investigate the different meta levels within which a work can be staged. The exhibition space was divided into several different viewing zones: an active play space, a workshop area including sketches and documentation of past works, and a future space. The work was further documented through a ‚making of‘ video and a talk-over guided tour.
Links
http://problemsinspace.blogspot.com/
http://www.youtube.com/
Sam Bunn was artist in residence at Atelierhaus Salzamt in Linz from October to November 2011
Eröffnung der Ausstellung
Dienstag, 22. Mai, 19:00
Öffnungszeiten
23. Mai – 26. Mai, 16:00 – 18:00
Andreas Kurz und André Tschinder reflektieren in ihrer Ausstellung das Spannungsfeld zwischen der eigenen künstlerischen Praxis und einer zeitgleich notwendigen Erwerbstätigkeit in den Bereichen Künstler:innenassistenz, Planung, Organisation und Ausführung von Raumbauten, sowie der Ideenfindung und Umsetzung handwerklich anspruchsvoller Werkstücke.
Links
http://www.andreaskurz.net
http://ekw1490.mur.at
- Mélanie Martin, Daniel Kemeny, Maud Marique, Francesco Fonassi, Stefan Riebel
- 08.05.2012 19:00
Opening
Tuesday, 8th of May, 19:00
Opening hours
9th – 12th of May, 16:00 – 18:00
A car drives in circle, a choir competes with an airplane engine, an artist’s breath is kept in a balloon, a 48 minute-late time space is established and a mysterious cardboard cave is installed. Presented as Chapter X of the Luna Park Project, the exhibition La roulette russe explores the experience of time as a continuous and circular space. Dealing with different conceptions of time, (daily, historical, mythological, etc.) the exhibition follows a logic based on circular movement.
curated by Sara Lucas Agutoli and Guillaume Clermont
- LOVE_, Clemens Denk, Jonas Geise, Philipp Hanich, Andrea Lüth, Kathi Reidelshöfer, Martin Sturm, Bernhard Weber, Thomas Weinberger
- 17.04.2012 19:00 - 28.04.2012 19:00
Eröffnung
Dienstag 17. April, 19:00, bb15
Öffnungszeiten
18. – 28. April, 16:00 – 18:00
So. & Mo. geschlossen
The artist collective LOVE_ exhibited an exuberant installation consisting of many individual works in a diverse range of media. The exhibition analyses how independent works can behave in seemingly loose juxtaposition with one another. This is reinforced through autonomous works and individual approaches being mixed with different internal collaborations within the collective.
Featured artists: Clemens Denk, Jonas Geise, Philipp Hanich, Andrea Lüth, Kathi Reidelshöfer, Martin Sturm, Bernhard Weber, Thomas Weinberger
Links
www.projekt-love.at
In Grounded, Waxy Pith exhibits new works by four young artists. Although each artist has a highly individual approach, a distinctly complementary resonance between each work and, significantly, a symbiotic relationship with the bb15 project space is established. The title relates to the nature of the various different works, exploring the alternate definitions of the term ‚grounded‘.
Curated by Waxy Pith
The works of Stian Ådlandsvik (°1981; Bergen, Norway) have an archaeological bent. Often reorganised hybrids, drawings, photographs and sculptures variously materialise from components or objects he has evaluated and re-contextualised.
Nick Defour (°1988, Halle, Belgium) is a performance artist whose work delivers a message that calmly refers to a significant moment or situation. A physical trace remains, a sort of palimpsest or veritable relic.
Sophie Giraux (°1984; Paris, France) makes projections, sculptures and installations. Each of her works is the pure manifestation of its sensorial content and ultimately ephemeral in essence.
Pol Matthé (°1981; Antwerp, Belgium) makes original works that derive from his very own sourcing pool, where research and experimentation produce the active ingredients, and thence mutate or evolve.
Waxy Pith is an arts platform founded and run by Jodie Hruby, which functions in Brussels and further afield. Waxy Pith nurtures genuine artistic practice in which the essence of the work is palpable. Each exhibition and occasion is a collaboration, whereby meaningfulness is derived from the nature and quality of the work itself and the particularity with which the works are conceived, combined and presented.
Links
www.waxypith.com
www.stianadlandsvik.net
www.sophiegiraux.com
www.zeichnungsfreistelle.org
- Steffi Alte, Cäcilia Brown, Dora García, Daniel Leidenfrost, Noële Ody, Julian Turner, Jannis Varelas, Julian Wallrath, Anna Zwingl
- 21.02.2012 19:00
The exhibition Mensch und Architektur 1: Scheidungsgrund Architektenhaus combines works dealing with the relationship of man and architecture. The tensions and disruptions that occur through this relationship are of particular interest. Discomfort, uncanniness, control, questions of formality and space and its vitality are integral parts of the show. How much are we controlled by the private desire for aesthetic forms and how much are we defined or controlled by the architecture of public space?
Curated by Manfred Wiplinger
Biographies
Steffi Alte *1980. Lives and works in Vienna
Cäcilia Brown *1983. Lives and works in Vienna
Dora García *1965. Lives and works in Barcelona
Daniel Leidenfrost *1979. Lives and works in Vienna
Noële Ody *1982. Lives and works in Vienna
Julian Turner *1985. Lives and works in Vienna
Jannis Varelas *1977. Lives and works in Athens and Vienna
Julian Wallrath *1980. Lives and works in Dusseldorf
Anna Zwingl *1983. Lives and works in Vienna
sadface ist eine raumbezogene Tanzperformance die sich an der Schnittstelle von Tanz und Installation bewegt. Im Stück gibt es drei Schwerpunkte, deren Beziehung zueinander sich langsam und konstant ändert. Dauer: 30 min.
Performer: Jianan Qu
Kostüm: Mahtab Soleymani
Konzept Choreographie: Jianan Qu/Philippe Gerlach
2011
Ausstellungseröffnung
Dienstag, 13. Dezember, 19:00
In their video „Isle of White“ Antje Feger and Benjamin F. Stumpf explore inner and outer borders which are especially sensible in the living conditions of refugees. In Spring 2010 they travelled to different places along the German-Danish border and on smuggling paths between both countries to research into these places in regard to the view of immigrants. In their final video the research is mostly indirectly tangible. It shows the mental situation, the harassment and affliction of a refugee. The experience and suffering is sublimated into atmospherically condensed scenes that are parallelized with landscape images. Instead of documentary imagery the film works with the forcefulness of the action and the atmosphere of the landscapes. This shows that “Isle of White” does not only refer to the specific border between Germany and Denmark, not only to specific places like isolated accommodations and not only to the present. Moreover, the winter landscape becomes a metaphor for human coldness and the anonymous character of a refugee becomes an image of the basic, existential experience of bondage, homelessness, coldness and harassment.
Antje Feger
1977 born in Lüneburg, Germany. Lives and works in Hamburg, Germany
1997-2005 studies of Fine Arts, Muthesius Academy of Fine Arts and Design and Anglistics, CAU, Kiel
2005-2006 Independent Study Program, Maumaus, Escola des Artes Visuais, Lisbon, Portugal
Benjamin Florian Stumpf
1976 born in Solingen, Germany. Lives and works in Hamburg, Germany
2002-2008 studies of Fine Arts, Muthesius Academy of Fine Arts and Design, Kiel, Germany
2005-2006 Independent Study Program, Maumaus, Escola des Artes Visuais, Lisbon, Portugal
Öffnungszeiten
14. – 17. Dezember, 15:00 – 18:00
Ausstellungseröffnung
Dienstag, 29. November, 19:30
Öffnungszeiten
30. November – 03. Dezember, 15:00 – 18:00
This exhibition displays 5 different pieces corresponding to Anna Moreno’s ongoing project, ‚The Barnum Effect‘, which is based on Phineas Taylor Barnum’s book, ‚The Art of Money Getting‘ (1880). PT Barnum was an American businessman considered to be the first showbiz millionaire. In this book he reveals 20 tips or “golden rules for making money”.
The Barnum Effect is, in psychology, the observation that individuals will give high accuracy ratings to descriptions of their personality that supposedly are tailored specifically for them, but are in fact vague and general enough to apply to a wide range of people. The project consists of a series of works, each of them taking the title from one of the chapters of ‚The Art of Money Getting‘. Shifting Barnum’s statements from an economic context into an artistic one allows its recipients to take this advice as something personal. This provokes a slight discomfort, due to the ambiguity of Barnum’s discourse. It is always uncomfortable to link art and economy in this manner, for in this case individuals act, as Louis Althusser would say, as victims of an ideological interpellation.
Anna Moreno (Barcelona, 84) is currently an artist in residence at Atelierhaus Salzamt in Linz. She is based in Barcelona, Spain, were she also completed her MA in Fine Arts.
Recently, she has been selected as an artist in residence at Seoul Art Space Geumcheon (Korea) in 2012, and has participated in The Stateless Pavilion, an international artist residency during the 54th Venice Biennial (Italy).
She has been as well a resident at NauEstruch (Sabadell, Barcelona), Cittadellarte – Fondazione Pistoletto (Biella, Italy) and Fabra & Coats (Barcelona).
Her work often consists in non-objectual pieces such as conferences: On Discomfort, Caixafòrum (Barcelona) or The Art of Money Getting in l’Estruch Theatre (Sabadell), as well as performances, interventions and videos.
Links
http://www.annamoreno.net/
Ausstellungseröffnung
Dienstag, 15. November, 19:00
Öffnungszeiten
16. November – 18. November, 15:00 – 18:00
Nicola Genovese (IT) explores our induced ideas on a mythical past, of an ever more improbable future, of an exotic land full of warriors coming out of the forest. At the same time, the objects from our home, assembled in his sculptures, seem to know far more than the stereotypes we are immerged in and, keeping silent, they bring us somewhere else…maybe where we come from.
Pietro Rigolo
Bio
Born 1971 in Dolo (Venezia), Nicola
Genovese works and lives in Padua (Italy). The presented works were
developed during an artist in residence stay at Altelierhaus Salzamt.
How many shapes can an object take, until it becomes something radically different? How many lives can an accidentally funny or awkward family photo live? Nicola Genovese’s artistic practice devises a process of accumulation and assemblage, combining elements apparently distant from one another, in order to give them a second opportunity: a new life. Yellowed pictures founds in flea markets, photographic books and outdated didactic materials, alongside everyday objects, receive a new breath of life through his hands, as if he were a modern sorcerer’s apprentice. Images that work through quick unconscious associations often evoke mysterious shapes and meanings. As in contemporary culture, where religions and mythologies often become personal and artificial, these objects, without any connection to the shape they generate, echo this transformation.
The works are the result of two different, although coherent procedures. One part is based on the recycling of old, seemingly trivial images, which Genovese transforms with a minimal and ironic touch. The second series is the result of reissuing shapes which have a strong, immediate everyday connotation to generate new meanings. His works evoke at the same time familiar and destabilising images, stimulating and blurring the spectator’s perception.
Teresa Iannotta
Links
http://www.nicolagenovese.org/
Ausstellungseröffnung
Dienstag, 18. Oktober, 19:00
Öffnungszeiten
19. Oktober – 22. Oktober, 15:00 – 18:00
Resonate in Response to is a rethinking of space, specifically the acoustic characteristics and qualities of rooms. After recording the sound of selected places, the collected audio samples are analysed and evaluated. The parameters discovered through this process build the basic structure for a composition that continuously generates subtle interferences between the natural soundscape of the room and the replayed tones. For the playback of the selected tones, a sound archive consisting of specially produced vinyl records (dubplates that cover a wide frequency range of sinus tones) was employed. In combination with three turntables and three site specifically located speakers, it becomes possible to reconstruct the natural ambient sound by analogue means.
Links
http://faxen.us
http://www.vimeo.com/
Opening
Friday, August 12th, 19:30
Opening hours
13. – 15. August, 16:00 to 18:00
Playwright and performer, Amelia Bande, and visual artist, Annette Knol, have been exchanging long distance ‚words‘ since they met in 2007. Talks, letters, readings, images, dreams and thoughts become an alternative to the lover’s immediate presence during absence.
‚Into Onto‘ presents a work in progress that takes the correspondence between two people as the starting point to talk about how we relate through text, symbols, structure, narrative and writing.
The universe Bande and Knol create exists primarily for their own pleasure. By selecting and presenting fragments of this exchange, they uncover an archaeology of desire and discontent whilst simultaneously initiating new fictions. The editing, transforming, isolating and remaking of these fragments opens a door that goes beyond the mere naming of anecdotes and feelings. Collaborating and working alone, the artists share a mixture of outcomes: drawings, messages, photographs, objects, a book.
“The Wrapping” will be performed on the opening night
Amelia Bande (Chile, 1977) & Annette Knol (Netherlands, 1976) both live in Berlin.
Annette Knol is currently artist in residence at Atelierhaus Salzamt in Linz.
Links
http://www.printeretto.net/
www.kotti-shop.net
Eröffnung der Ausstellung
Dienstag, 31. Mai, 19:30
Öffnungszeiten
1. Juni – 4. Juni, 16:00 bis 18:00
Philip Janssens (BE) generiert über einen konzeptionellen Zugang, durch subtile Täuschungen und Verfahren der Aussparung immaterielle Effekte. Seine Arbeiten spielen mit unserer Wahrnehmung und lösen sich im und mit den Elementen des Ausstellungsraumes auf.
Kuratiert von: Clemens Mairhofer, Lucas Norer
Links
http://www.philipjanssens.org
Eröffnung der Ausstellung
Donnerstag 14. April 2011 19:00
Mit einer Einführung durch Mag. Dr. Sergius Kodera
Öffnungszeiten
15. April bis 30. April, 16:00 – 18:00, Montag geschlossen
Stuart Croft Screening im Rahmen von Crossing Europe Film Festival
Donnerstag 14. April, 16:30 im Moviemento Saal 3, OK Platz 1, 4020 Linz
http://www.crossingeurope.at/
The space for contemporary art bb15 presents “The Stag Without a Heart” by the British filmmaker and artist Stuart Croft, in conjunction with a solo exhibition. It is a looped 35mm film based on one of Aesop’s fables about betrayal, guilt , corruption and the enticement of power.
http://www.stuartcroft.com/thestagwithoutaheart/
Stuart Croft‘s practice in film and video asks what the possibilities are for co-opting languages of the cinematic into the contemporary gallery space. Beyond this, his practice uses various strategies to investigate the conditions of recurrence, deception, power and desire. Croft works with a hybrid of analogue and digital technologies, merging high-end production techniques with the traditions of artists’ film to explore the contemporary collision of the dominant and critical image.
Stuart Croft (* 1970) lives and works in London. In 1998 he graduated from Chelsea College of Art,
London. Since then he has made 14 films and has shown his work in gallery spaces and contem-
porary art museums in over 20 countries to date, including: fACT, Liverpool; pS1-MoMA, New york;
Art Gallery of New South Wales, Sydney; Kunsthalle Luzern; fiedler Contemporary, Cologne; Galle-
ria Civica di Modena; Site Gallery, Sheffield; MuHKA, Antwerp and the Royal Academy, London.
http://www.stuartcroft.com/
mit freundlicher Unterstützung durch das Atelierhaus Salzamt & Lentos Kunstmuseum
Audio/Video Performance
Mittwoch 30. 03. 20:00
Stefanie Polek und Jens Alexander Ewald präsentieren ihre Bild-Text-Installation „PAL“
„PAL“ steht hier für „Parallel analytische Läsur“ und bezieht sich auf die Auseinandersetzung der Künstler mit den von ihnen bevorzugten Medien: digitales Bild und Text. Wiederholung, Dauer, Copy und Beliebigkeit sind zentrale Themen in der Bearbeitung eigenen und fremden Materials. Dabei geht es um die Dekonstruktion vorgegebener Ordnungen, die die Möglichkeiten einer Neukreation beinhaltet. Fraglich bleibt jedoch, ob das Spiel mit unendlich vielen Optionen eigene künstlerische Entwicklung vorantreibt oder eher behindert.
Stefanie Polek (geb. 1977, in Köthen, Sachsen-Anhalt lebt und arbeitet als Künstlerin in Kiel und Berlin)
Jens Alexander Ewald (geb. 1981, in Heidelberg, lebt in Kiel und unterrichtet an der Muthesius-Kunsthochschule in Kiel, http://ififelse.net)
Beide sind Mitorganisatoren der Prima Kunst Galerie in Kiel , www.primakunst.info
2010
- Bernd Oppl/Liddy Scheffknecht
- 28.10.2010 19:00 - 03.11.2010 18:00
Eröffnung der Ausstellung
am Donnerstag 28. Oktober um 19:00
Dauer der Ausstellung
29. Oktober – 3. November
Di – So: 16:00 – 19:00 Montag geschlossen
Bernd Oppl zeigt die Arbeit o.T. (Aus der Serie „Point of View“)
Ein leeres Stiegenhaus wird von einer Staubwolke heimgesucht. Doch scheint diese Wolke nicht den Gesetzen der Schwerkraft zu folgen, sondern sie auszuhebeln und ihr zu trotzen. Wir sehen den “realen” Raum als Miniaturausgabe seiner selbst, ihm gegenüber eine Projektion der gesamten Szenerie. Doch was sehen wir wirklich? Wie nehmen wir das projizierte Geschehen wahr? Wo findet die Bewegung tatsächlich statt? Die Kombination des filmischen und des realen Raumes schafft eine zusätzliche Perspektive und gleichzeitig einen neuen Raum, die Architektur wird zur Handlung und bleibt nicht länger statisch. Gleichzeitig stellt sich die Frage, was der reale Raum sein kann. Das Spiel mit der Wahrnehmung, mit Architektur und dessen Abbild rückt Bernd Oppl mit den Arbeiten seiner Serie “Point of View” in den Fokus.
Liddy Scheffknecht präsentiert eine Reihe von Arbeiten, welche sich mit dem Aspekt der zeitlichen Dauer beschäftigen.
In der Arbeit 6 min 38 sec wurde eine gefundene Fotografie eines Radfahrers kaum merklich um den Schatten des Sportlers ergänzt: Ein Video des sich langsam bewegenden Schattens wird auf die Fotografie projiziert. Fotografie und Video sind so präzise aufeinander abgestimmt, dass sie kaum einzeln wahrnehmbar sind. Die Grenze zwischen statischem und bewegtem Bild verschwimmt dabei, der kurze Moment der Belichtung der Fotografie steht der langen Dauer des Videos gegenüber.
Auch in Bubblegum wurde die Dauer eines Moments ausgedehnt. Der Zeitpunkt kurz vor dem Zerplatzen einer Kaugummiblase wurde in Glas festgehalten und somit zur dauerhaften Skulptur gemacht. Weiters sind grafische Arbeiten zu sehen, welche sich mit der Darstellung von Zeitpunkten und Zeitspannen auseinandersetzen.
Links
http://www.liddyscheffknecht.net/
http://www.berndoppl.net/
Das bb15 und das Ars Electronica Festival realisieren 2010 erstmalig das zweitägige Performancefestival „Soft Bodies“. Mit dem Anspruch, verschiedene Positionen und Herangehensweisen innerhalb der Performancekunst an einem Ort zu vereinen, wird eine facettenreiche Auswahl an performativen Möglichkeiten gezeigt.
Performancekunst ist direkt und wahrhaftig, der/die KünstlerIn ist durch seine/ ihre unmittelbare körperliche Handlung und Präsenz selbst Medium beziehungsweise Ausdrucksmittel.
Die teilnehmenden KünstlerInnen praktizieren ihre Ideen daher an sich selbst und gleichzeitig gemeinsam mit dem Publikum, arbeiten also am und mit dem lebenden Subjekt, was Raum für verschiedene Gesichtspunkte der Begegnung schafft.
Performancekunst ist prozesshaft und vergänglich – Momente der Transzendenz, des Experiments, der Erkenntnis oder des grandiosen Scheiterns sind möglich und erwünscht. Das bb15 wird in diesem Zusammenhang als Festivalzentrale fungieren und Ort des Austausches, der Diskussion und der Präsentation bereits stattgefundener Performances sein.
KuratorInnen
Mag. Elisa Andessner (AT), Dr. Didi Bruckmayer (AT)
- Siegfried A. Fruhauf, Karø Goldt, Manuel Knapp, lia, Johann Lurf, Jan Machacek, Billy Roisz, Michaela Schwentner
- 08.06.2010 19:00
Das sixpack Programm „Prickelfrickl“ ist eine speziell für das bb15 zusammengestellte Auswahl an Videoarbeiten welche den Wahrnehmungsapparat herausfordern: Abstrakte Bildwelten – Texturen, Found Footage Experimente, Bildersalven, digitale Schichtungen – treffen hier auf analogen Noise, Rauschen, Feedbacks und die Stimme von Laurie Anderson.
Screening
Dienstag, 08.06.2010, 19:00
Einführung
Dietmar Schwärzler (sixpackfilm)
Johann Lurf: Zwölf Boxkämpfer jagen Victor quer über den großen Sylter Deich 140 9
Lurfs Diplomfilm verweist auf Found Footage Experimente, wie sie schon die Künstler der amerikanischen Neoavantgarde, etwa Morgan Fisher oder Bruce Connor unternahmen, wobei Lurfs Beschleunigung seiner Bildersalve duchaus die Ambiguität zwischen medienspezifischer Reflexion und Überwältigung sucht. (Rainer Bellenbaum)
Manuel Knapp: Distorted Areas ~ 0.1.
Das Material ist mit Hilfe einer Echtzeitsoftware entstanden. Sowohl die Programmierung der Texturen und Parameter als auch die Abtastung mit der Kamera fand in den Grenzbereichen der Software und der Elektronik statt, wodurch sich eine Reihe von Verzerrungen, Störungen und Verfremdungen der ursprünglichen 3D-Effekte ergaben. Der Sound hingegen basiert of analog noise (input / no input) erzeugt vom Rauschen von Tonbandmaschinen. (Manuel Knapp)
Billy Roisz: Close Your Eyes
Billy Roisz, inspiriert von den halluzinogenen Erfahrungen des Malers und Literaten Henri Michaux, gelingt ein faszinierender Trip ins Abstrakte und Absurde und an die Grenzen der eigenen Wahrnehmungsfähigkeit. (Christa Auderlitzky)
Karø Goldt: I deeply regret
Mein Video zeigt einen Versuch, sich nachträglich mittels einer Machtphantasie aus der Opferrrolle zu befreien. Oder mit anderen Worten: Nach langer, langer Zeit lebt hier jemand die Gegenwehr zur gesummten Melodie von Rocky tatsächlich aus. (Karø Goldt)
Jan Machacek: words
words von Jan Machacek kommt dem Nicht-Mitteilbaren bei, indem es röntgt, vervielfältigt, ironisiert, feiert, verkürzt, unterwandert, verfeinert. Mit der Beständigkeit des Glückspielens wird hier das Nicht-Mitteilbare als ein inneres Pingpongspiel ausgetragen. (Radostina Patulova)
Michaela Schwentner: la petite illusion
In la petite illusion wird eine kleine Geschichte der Leidenschaften in Szene gesetzt: schweres Atmen, umspielt von einer jazzigen Basslinie, ein Kuss, der nächtliche Sturz einer Dame ins Wasser. Der Titel der Arbeit verweist ironisch auf Jean Renoirs „La grande illusion“ von 1937, aber die Assoziation führt ins Leere. Michaela Schwentners farblich asketische elektronische Manipulation gefundener Bilder und Töne ist eine sorgsam in Schwebe gehaltene Studie historischer Kinoaffektbilder. (Stefan Grissemann)
lia: 068
o68 wurde unter Einfluss von Laurie Anderson’s „O Superman (for Massenet)“ hergestellt, und bedient sich sowohl eines Textes als auch den Stimmaufnahmen von Laurie Anderson.
Siegfried A. Fruhauf: Palmes D´Or
820 Ablichtungen sind als Einzelbildabfolge das Ausgangsmaterial. In einer massiven digitalen Schichtung dieser Bildsequenz verformen sich die fotografisch realistischen Aufnahmen zu einem nahezu malerischen visuellen Konzentrat der Zersetzung. Die Illusionsmaschine Kino wird wieder zur reinen Bildmaschine. Das Konkrete des Abbilds verliert sich. Der Titel der Arbeit, Palmes d’Or, richtet die Wahrnehmung auf die darin nur mehr ansatzweise aufblitzende Form der Palme. (Siegfried A. Fruhauf)
- ekw 14,90 - Moke Klengel, Christoph Rath, Marlies Stöger, André Tschinder
- 27.04.2010 19:00
Eröffnung
27.04.2010, 19:00
Öffnungszeiten
28.4. – 4.5.2010, 16:00 – 19:00
Arbeiten der Gruppe ekw14,90, die bisher einzig im „Ersatzherbstlager“ (steirischer herbst 2008) zu sehen waren, werden erstmals außerhalb des Lagers im Rahmen einer Ausstellung gezeigt. Bei der Vernissage wird der Katalog zum Projekt „EHL“ präsentiert.
Links
http://ekw1490.mur.at/
http://www.vimeo.com/
- Stuart Croft, Frederic Geurts, Geert Goiris, Oscar Hugal, Philip Ullrich, Wouter Van der Hallen
- 15.04.2010 18:00
Eröffnung
15.04.2010, 18:00
Öffnungszeiten
16.04.2010 – 18.04.2010, 00:00 – 24:00
zur Eröffnung
Diskussion in Kooperation mit Architekturforum OÖ zum Thema Reclaiming Space – Offspaces
mit Wouter Van der Hallen, Birgit Knöchl, Marielle Verdijk
kuratiert von
Wouter Van der Hallen & Lucas Norer
In der Ausstellung „lines and crossings“ präsentiert Wouter Van der
Hallen eigene Arbeiten als auch eine von ihm und dem BB15 kuratierte
Schau mit Werken britischer und belgischer Künstler. Die filmische
Arbeit „drive in“ von Stuart Croft, ist in dieser Schau kombiniert mit
Fotografien des Art Basel Baloise Kunstpreis Gewinners 2009 Geert Goiris
sowie installativen, grafischen und fotografischen Arbeiten von
Frederic Geurts Werner Vandermeersch, Oscar Hugal und Philip Ullrich.
Zur
Eröffnung und in Kooperation mit dem Architekturforum OÖ, diskutieren
BetreiberInnen von Offspaces aus dem In- und Ausland gemeinsam über
Nutzungkonzepte sowie Relevanz und Notwendigkeit von nichtkommerziellen
Kunsträumen.
Stuart Croft (°1970, London, UK)
Drive In 2007 singlescreen 16:9 video-projection, running time: 7 min 24 sec continuous loop
www.stuartcroft.com
Frederic Geurts (°1965, Wilrijk, BE)
Axis mundi 2009 galvanized steel rod standing on a north-south line parallel to the earth’s axis, 3 meters in length
www.fredericgeurts.be
Geert Goiris (°1971, Bornem, BE)
Black Box 2000 framed fine art print, 50 x 60 cm Polar Line 2002 framed inkjet-print
www.geertgoiris.info
Oscar Hugal (°1986, Antwerp, BE)
Untitled (Keyhole)
2010 Dia-projection
oscarhugal.wordpress.com
Philip Ullrich (°1985, Neuebuerg, DE)
Untitled (Velvia) 2009 3 framed prints
www.philip-ullrich.de
Wouter Van der Hallen (°1984, Borgerhout, BE)
Werner Van dermeersch / Werner Kurosawa (°1961, Antwerp, BE)
Snow Voronoi 2010
wernervandermeersch.wordpress.com
Linien Musik ist eine Software die gezeichnete Linien in Töne umwandelt und somit eine Einheit von Klang und Bild herstellt. Die Visualität der Musikerzeugung als integrales Element der Musik wird mit Hilfe eines Videobilds zu Bewusstsein gebracht.
Es ist keinesfalls der erste Versuch, eine derartige Verbindung herzustellen. Das Bestreben, Musik aus Bildern zu erzeugen hat eine lange Tradition [1] und findet sich unter anderem auch in moderner Musiksoftware wieder. Zwischen Bild und Ton gibt es allerdings keinen kanonischen Zusammenhang. Um diese Lücke zu schließen gilt es abstrakte Beziehungen zwischen den Beiden zu finden, die für das menschliche Verständnis so offensichtlich erscheinen, dass der Eindruck erweckt wird, Bild und Ton wären untrennbar miteinander verknüpft, auch wenn dieses Zusammenspiel frei erfunden ist.
Ausgangspunkt für Linien Musik war ein Programmierbeispiel von Zachary Lieberman dessen Funktionsweise sich auf folgende Prinzipien reduzieren lässt:
- Eine gezeichnete Linie entspricht einer Abfolge von Tönen.
- Die Höhe der Töne steigt mit der Position im Bild nach obenhin an.
Aufbauend auf diesen Prinzipien kann man nun fragen, wie verschiedene solcher Linien gemeinsam klingen, was geschieht wenn man diese Linien bewegt, oder wenn sich gar eine Linie auf einer anderen Linie bewegt. Antworten auf diese Fragen versucht die Software Linien Musik zu geben.
2009
- Andreas Kurz, Andrea Lüth
- 09.12.2009 19:00 - 18.12.2009
Eröffnung der Ausstellung
am Mittwoch 09. Dezember um 19:00
Dauer der Ausstellung:
10. Dezember – 18. Dezember
Di – So: 16:00 – 19:00
Mo: geschlossen
Was dem Betrachter der 5. Ausstellung zu allererst ins Auge fällt, ist die mediale Divergenz der präsentierten Positionen. Im Zentrum der Arbeit „Die Rekonfiguration der Nacht“ des Klangkünstler Andreas Kurz steht eine mehrkanal Soundinstallation in der urbane Geräusche und Klangstrukturen zu einer 50 minütigen Kompositon verwoben sind. Erweitert durch eine sich bewegende Diaprojektion und eine scheinbar statische Videoarbeit, welche jeweils Linzer Stadtbilder thematisierten. Urbane Klangräume verdichten sich mit architektonischen Fragmenten zu den Befindlichkeiten einer Stadt.
Andrea Lüths Strategie im Sinne eines polyphonen Kontrapunkts zu agieren, erlaubt es ihr, Andreas Kurzs Arbeit einerseits zu kommentieren und darüber hinaus eine davon unabhängige Aussage zu tätigen. Ihre Arbeit „clean machine“ setzt sich aus einer collageartigen Konfiguration ausgewählter Ölbilder, Zeichnungen sowie einer Videoarbeit zusammen. Die Dinge werden nicht zu Ende gesagt, weder abstrakt noch gegenständlich geben sie Eindruck in eine Welt, in der das Unvollständige zu sein scheint. Es bleiben Spuren von Figuren und Gegenständen. Feine Differenzen werden verglichen, gefiltert und protokolliert
Links
www.andrealueth.at
www.andreaskurz.net
- Linus Rieplers, Daniel Leidenfrost
- 18.11.2009 19:00 - 29.11.2009
Eröffnung der Ausstellung
am Mittwoch 18. November um 19:00
mit einer Einführung von Manfred Wiplinger
Dauer der Ausstellung:
19. November – 29. November
Di – So: 16:00 – 19:00
Mo: geschlossen
„Architektur #2“ sowie „Ein Montag im August“ überprüfen Raumwahrnehmungen auf ihre „Richtigkeit“ oder führen diese schlichtweg ad absurdum um letztendlich neue detektive Denkmuster anzulegen.
Die Videoinstallation von Daniel Leidenfrost besteht aus einem für den Betrachter sichtbaren Teil, der Videoprojektion, und einem dem Betrachter nur mittelbar zugänglichen Teil, dem Videoinhalt. Das zu sehende Bild basierte auf einem Modell, das sich verborgen hinter der Projektionswand, an einer Videokamera vorbei dreht. Die Projektion ist eine Liveübertragung aus dem unzugänglichen Bereich der Ausstellung.
Linus Rieplers Installation ist ein Ort, bzw. die Erinnerung an eine Begebenheit die im Ausstellungsraum nachgebaut ist. Der Raum im Raum funktioniert funktioniert durch ein interaktives Element. Um die Arbeit zu erleben, muß man sich ihr ausliefern, sie betreten und damit in eine fremde Erinnerung eintauchen.
Links
http://leidenfrost.pipelinevienna.org/
http://www.facebook.com/people/Linus-Riepler/1143920039
- Scheibl/Koppelstätter, Christian Stefaner Schmid
- 14.10.2009 19:00 - 21.10.2009
Eröffnung der Ausstellung
Mittwoch 14. Oktober um 19:00
Dauer der Ausstellung:
15. Oktober – 21. Oktober
Di – So: 16:00 – 19:00
Mo: geschlossen
„o.T. (offene Tektonik)“ entwickelt sich anhand einfacher konstruktiver Mittel, die Scheibl/Koppelstätter einsetzten um damit ein räumlich anspruchsvolles, gleichzeitig statisch nachvollziehbares Gebilde zu erzeugen. Die Bogenkonstruktionen aus endlos erweiterbaren Raumtetraedern, stemmen sich gegen die Schwerkraft, weigern sich den Boden zu berühren, der sie tragen soll. Die präzise ausbalancierte, raumgreifende Konstruktion, verschrenkt sich mit Christian Stefaner Schmids postapokalyptischen Szenarien. Der Künstler weicht in abstrakter Form auf kybernetische, philosophische und systemtheoretische Teilgebiete aus, um hypothetische Versuchsanordnungen zu schaffen, oder zu provozieren. Konkret setzt sich sein Beitrag aus großformatigen Wandzeichnungen, die Publikation eines pseudo-wissenschaftlichen Textes sowie eine Videoinstallation zusammen.
Eröffnung der Ausstellung
am Mittwoch 08. Juli 2009 um 18:00
Dauer der Ausstellung
09. Juli- 12. Juli 2009
Di – So: 15:00 – 18:00
Im Rahmen eines artist in residence Aufenthaltes nimmt das belgische KünstlerInnenkollektiv „logement“ die vorangegangene Ausstellung als Ausgangspunkt für ihre Arbeiten. Durch Neu-Arrangierung, Um- und Überarbeitung entstehen raumbezogene installative Arbeiten, welche autonome künstlerische Statements darstellen und darüber hinaus neue Blickwinkel auf „stairway to content“ eröffnen. Im Sinne eines prozessorientierten Ansatzes realisiert „logement“ subtile Interventionen wie die Positionierung dreier Spiegel in den Schaufenstern, ein performativer Eingriff an den Wänden, eine geografische Verortung sowie diverse Manipulationen an vorgefunden Elementen.
Links
http://www.hanstheys.be/artists/tomas_boiy/
http://www.philipjanssens.org/
http://www.hanstheys.be/artists/tim_segers
http://logement.tk/
- 18.07.2009 20:30
Nach exzessivem Löten, Bohren, Programmieren, Heißkleben und weiß der Teufel was, entstanden während des Cocktail Robotik II Workshops diverse Apparaturen und Automaten, deren Bestimmungszweck in der Zubereitung schmackhafter Mixgetränke liegt.
Nach letzen Verbesserungsarbeiten und Finetuning ist es nun soweit. Am 18.07.09, ab 20.30, lädt Medea herzlich zum fachsimpeln, abnerden und natürlich verkosten ein. Wie immer im bb15.
- Nikos Arvanitis, Jakob Dietrich, Kai Maier-Rothe
- 25.06.2009 - 03.07.2009
Eröffnung der Ausstellung
am Donnerstag 25. Juni um 18:00
Dauer der Ausstellung:
25. Juni- 03. Juli
Di – So: 15:00 – 19:00
Mo: geschlossen
Für diese Ausstellung präsentieren die 3 Künstler Nikos Arvanitis, Jakob Dietrich und Kai Maier-Rothe zum ersten mal eine gemeinsame Arbeit unter dem Titel „Stairway to Content (Sonatine Bureaueratique)“. Eine mehrteilige Installation bestehend aus acht Holzwänden, einer Holzstiege und Videoprojektionen. Nur ein alternativer Eingang über ein straßenseitiges Fenster ermöglicht den Zugang in das bb15. Im Rahmen der Eröffnungsperformance, zu den Klängen von Erik Saties Klavierstück „Sonatine Bureaucratique“, finden die letzten räumlichen Eingriffe statt und vervollständigen somit die Installation. Wie der Titel „Stairway to Content“ andeutet präsentieren die Künstler auf minimalistisch-dadaistische Weise den Prozess der künstlerischen Manifestation. Besucher werden in ein sowohl räumlich als auch zeitlich ineinander greifendes, in sich selbst verschachtelte Kunstwerk verstrickt.
Links
http://www.nikosarvanitis.com/
http://www.bunostik.org/arbeiten.html
- Karin Fisslthaler, Selma Doborac
- 16.04.2009 - 26.04.2009
Die beiden Künstlerinnen präsentieren jeweils mehrteilige installative Arbeiten, welche in und mit medialen Räumen spielen.
Selma Doborac arbeitet dabei konzeptuell mit Elementen wie Schrift, Text und Fotografie, sowie dem vorgefundenen Raum. Maj.estatement, so der Titel ihrer Arbeit besteht aus Diaprojektor, Text sowie einer raumgreifenden Projektion.
Karin Fisslthaler spürt auf visueller wie auditiver Ebene, dem Zauber und Mythos des medialen Phänomens Marilyn Monroe nach. Dabei wird in 3 Annäherungen der filmische, musikalische und fotografische Output der Ikone einer Bearbeitung unterzogen.
Eröffnung der Ausstellung
am Donnerstag 16. April um 19:00
zur Eröffnung live Guy Bored
Dauer der Ausstellung
17.April – 26. April 2009
Di – So: 15:00 – 18:00
Mo: geschlossen
Künstlerinnengespräch
am Donnerstag 23. April 2009 um 18:00 mit Maren Richter
Kuratiert von
Clemens Mairhofer, Lucas Norer, Sebastian Six